[摘要]音乐作为人类文明发展史上出现最早的艺术形式，距今已经有几千余年的历史，而电影则是人类文明发展史上最年轻的艺术之一，两者的结合成为我们所说的电影音乐。如今电影音乐随着电影艺术一百余年的发展，已经凸显出我们不能否认的审美价值，在现代电影音乐创作过程中，创作者们会使用多种表现方式让电影音乐表现力更加多元丰富。本文主要介绍了电影音乐的作用与发展历程，并对其美学特征进行研究。

　　[关键词]艺术形式；电影音乐；作用；审美价值；发展历程

　　电影艺术从默片到有声，可谓经历了巨变的过程。20世纪初期，人们开始认识到无声影片需要借助音乐旋律来推动剧情发展，并且能够很好地掩盖住放映时候的杂音，因此电影创作者们开始试图在电影作品中融入音乐旋律。音乐旋律对情感表达方面有着巨大的优势，“当我们的语言难以达到效果的时候，音乐旋律就出现了”。我们看到许多影视作品中情感部分的表达形式都是依靠音乐来实现的，当音乐融入到影片中，可以让电影成为音画结合的艺术，人们的眼睛与耳朵都能够在第一时间里去收取到信息。观众们选择坐在电影院中去观看电影的重要原因就是为了得到听觉上的刺激。影视艺术之所以能够从无声转变为有声，也就是为了满足观众们对视觉效果与声音的需求，渴望能够感受到除了摄影制作以外的表现形式。我们可以看到诸多好莱坞电影，从影片开始到结尾，涌现出大量的旋律来拓展故事情节的不断发展，甚至在影片中只出现景物的时候，音乐旋律都能够凸显出它的功能。

　　一、电影音乐的发展脉络概述

　　根据资料显示，最早的电影默片电影的伴奏多数是由钢琴担任的，并配有一个打击乐器的人员来协助演奏，进而创作出与电影画面中近乎同步的音响效果。到了20世纪20年代初期，大量的管弦乐队入驻西方城市的电影院中，诸多音乐旋律由于电影情节的需求而随之重新修改与分类。默片发展为当时许多音乐创作者与演奏家提供了大量就业机会，也让观众们在观看电影过程中了解到古典音乐形式。随着现代电影行业的不断发展，诸多音乐创作者开始为电影作品谱曲，但是我们说电影音乐真正实现跨越式发展是在肖斯塔科维奇等著名音乐家对影视艺术产生兴趣之后。

　　在20世纪20年代末期，举世瞩目的有声电影出现后终结了现场乐器伴奏形式，这时候的电影音乐旋律不仅是作为大银幕上画面的陪衬，而且是作为电影作品主题的表现途径之一，然而如何将电影作品与音乐旋律紧密结合依然是音乐创作者与电影导演所面临的难题。而到了30年代末期，以布里顿、阿尔文等人为代表的作曲家进入到电影领域，相继总结出多种创作技巧，使得电影音乐创作受到众人的注意，并被认为是一种十分特殊的音乐创作模式。然而在当时英国、法国等国家着力发展电影音乐过程中，美国好莱坞这个电影大片输出地却在电影音乐领域陷入尴尬的境地。虽然好莱坞每年产片量超过400部，但是却很难找到优秀的作曲家为电影谱曲，多数创作者是受到邀请而不是主要去积极地创作，因此使得我们看到的好莱坞大片中存在较多质量差的音乐作品。虽然部分拥有传统思想观念的音乐家们会展现出自身的才能，但是他们创作出来的作品却依旧属于那个“黄金年代”，因此后期现实主义作品对他们音乐创作的浪漫主义风格形成了巨大冲击力。我们说到这，就需要提到40年代好莱坞出现的一位特殊的作曲家——伯纳德·赫尔曼，他的音乐创作略显“严肃”。例如，他在1940年为电影《公民凯恩》创作的主题曲就广受好评，整部以爵士乐为基础的旋律发出刺耳响亮的和声，与过去简单的旋律相比较而言，这种创作手法标志着电影音乐创作技法跨越了一大步，也使得好莱坞的音乐旋律从此走出了原有的温婉恬美的小范围，步入到电影表现组成中。

　　后来在经历了多种类型电影衰变后，在20世纪70年代的电影行业如雨后春笋又重新冒出，从70年代后期开始，西方出现了诸多优秀的电影音乐作品，部分在二战后开始从事电影音乐创作的音乐家们创作出了诸多具有代表性的音乐作品。随着科学技术的不断发展，到了90年代，电影领域被数字传媒技术所侵占，人们开始对数字特效、电子制作等方面进行研发应用，因此电影音乐逐渐走向辉煌的阶段。我们的听觉在特效制造出来的音乐世界尽情享受，成为电影世界的主人。